История Подкасти

Колесница на Делфи, c. 478-474 г. пр.н.е.

Колесница на Делфи, c. 478-474 г. пр.н.е.


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.


Колесница на Делфи

Колесницата на Делфи е рядка оцеляла 2500-годишна бронзова скулптура от древногръцката култура. Това е статуя на водач на колесница в естествен размер, намерена през 1896 г. в светилището на Аполон в Делфи.

Статуята е поръчана в чест на победата на тиранина Полизалуза от Гела, гръцка колония в Сицилия, и неговата колесница в Питийските игри през 470 г. пр.н.е.

Питийските игри (известни още като Делфийските игри) бяха сред четирите панхеленистки игри в Древна Гърция. Те се провеждаха в чест на Аполон на всеки четири години в неговото светилище в Делфи.

Те се провеждаха две години след всяка олимпиада. Надпис върху варовиковата основа на статуята показва, че Полизал я е посветил като почит към Аполон, за да му помогне да спечели състезанието с колесници.

Колесницата на Делфи първоначално е била част от по -голяма група скулптури, която включва колесницата, поне четири коня и евентуално двама коняри.

Със статуята са намерени някои по -малки фрагменти от конете, конярите и колесницата. Сицилианските гръцки колонии бяха много богати в сравнение с повечето от градовете на континентална Гърция.

Техните владетели можеха да си позволят великолепни предложения на боговете и най -добрите коне и шофьори за игрите.

Името на скулптора е неизвестно, но се смята, че статуята е излята в Атина, въз основа на прилики с други атински шедьоври. Лицето и тялото не показват арогантност, а черти на спокойно самочувствие.

Статуята на шофьор на колесница в естествен размер е намерена през 1896 г. в светилището на Аполон в Делфи.

Колесницата на Делфи първоначално е била част от по -масивна групова скулптура, включваща колесницата, поне четири коня и евентуално двама коняри.

Със статуята са намерени някои фрагменти от конете.

Тази статуя е един от малкото гръцки бронзи, които имат оригиналните инкрустирани стъклени очи. Лицето и тялото не показват арогантност, а черти на спокойно самочувствие.

Колесница на Делфи

  • Заглавие: Колесница на Делфи
  • Дата: 470 г. пр.н.е.
  • Намерете сайт: Светилището на Аполон в Делфи – 1896
  • Материал: бронз
  • Размери: H: 1.8m
  • Музеи: Археологически музей Делфи

Разгледайте археологическия музей на Делфи

Съвети от оракула на Аполон

Пития беше жрицата, председателстваща оракула на Аполон в Делфи. Има стотици изявления от Oracle в Delphi, които са оцелели. Много от тях са анекдотични и са оцелели като поговорки. Няколко са двусмислено формулирани, очевидно, за да покажат оракула в добра светлина, независимо от резултата. Подобни пророчества се възхищаваха заради тяхното формулиране. По -долу са някои от пророчествата на Делфи.

“ Любов към парите и нищо друго няма да ви съсипе. ”

“Молете се на ветровете. Те ще се окажат мощни съюзници на Гърция. ”

“Софокъл е мъдър, Еврипид е по -мъдър, но от всички хора Сократ е най -мъдрият. ”

“ Направете своя собствена природа, а не съветите на другите, ваш водач в живота. ”

Делфийски максими

Делфийските максими са набор от 147 афоризма, вписани в Delphi. Първоначално се казва, че те са били дадени от гръцкия бог Аполон и оракул в Делфи и затова са били приписани на самия Аполон.

Конкретният ред и формулировка на всяка максима варират между различните версии и преводи на текста.

  • Базирайте знанията си върху ученето.
  • Разберете, след като сте чули какво се е случило.
  • Познайте себе си.
  • Погрижете се да знаете правилната възможност.
  • Контролирай се.
  • Контролирайте гнева си.
  • Обичайте приятелството.
  • Концентрирайте се върху образованието.
  • Преследвайте честта.
  • Търсете мъдрост.
  • Хвалете доброто.
  • Избягвайте злото.
  • Интересувайте се от обществените дела.
  • Нищо излишно.
  • Когато стигнете до края, бъдете без скръб.
  • Не бъдете недоволни от живота.
  • Вярвайте в късмет.
  • Не подписвайте гаранция при получаване на заем.
  • Не разкривайте поверени тайни.
  • Страх от измама.
  • Хвалете всички.
  • Бъдете търсач на мъдрост.
  • Мислете първо, действайте по -късно.
  • Общувайте с мъдрите.
  • Приемете старостта.

Колесницата | Мит | Делфи

“Колесница на Делфи ” – Музей без стени

Разгледайте гръцките музеи и исторически обекти

“ Любов към парите и нищо друго няма да съсипе Спарта.”
– Oracle от Делфи


На този ден през 1896 г.: Колесницата на Делфи е намерена

Колесницата на Делфи, известна още като Iniohos (на гръцки означава държач на юздата), е една от най-известните останали скулптури от Древна Гърция и е призната за един от най-добрите образци на древна бронзова скулптура. Статуята на водача на колесницата е открита през 1896 г. в светилището на Аполон в Делфис и е открита от френски археолози. Статуята сега е изложена в Делфийския археологически музей.

Колесницата на Delphi е една от най -важните скулптури на Древна Гърция, главно защото красиво демонстрира прехода от архаични към класически стандарти комбинация от твърдите, почти стегнати пози на архаичните скулптури, но с действието на класиката. Той перфектно илюстрира баланса между стилизирано геометрично представяне и идеализиран реализъм.

Снимка: Greeka

Гръцкото име на статуята е Iniohos (онзи, който държи юздите), е част от комплекс от статуи, включващи четирите му коня, колесницата, на която е яздил, и две конюшни момчета. Скулптурата датира между 478-474 г. пр. Н. Е. Освен че липсва лявата ръка, бронзовата статуя е в отлично състояние. Inhiohos е впечатляващо мащабен модел, с височина 1,8 м. Вероятно мащабът е избран, за да подчертае специално значението на телосложението на шофьорите, защото точно както в съвременните конни спортове, спортистите на колесници бяха избрани заради високата си височина и лекота тегло.

Снимка: Археологически музей на Делфи

Това, което прави статуята уникална за периода си, е, че е създадена с бронз, материал, който по онова време е бил скъп и само елитът може да си го позволи. Най -известните богати гръцки семейства са от Сицилия, селище на гръцките градове, което е значително по -богато от по -голямата част от континентална Гърция, поради което статуята е бронзова в Сицилия. Малко вероятно е обаче статуята да е създадена в Сицилия, защото стилът на статуята има повече атински прилики. Смята се, че шофьорът на Колесницата е Полизалос от Гела, сицилиански тиранин, който също е платил за построяването на тази скулптура и предлагането й като посвещение на Аполон. Статуята отбелязва собствената победа на Гелас на надпревара с колесници в Питийска игра. Питийските игри се провеждаха на всеки четири години в чест на Питийския Аполон. Освен че са изработени от бронз, детайлите на статуите го правят уникален. Инкрустираните очи са една от най -интригуващите черти, създадени от стъкло. Друг важен детайл на статуята са шофьорите боси, които са толкова сложно проектирани, че дори показват вените му. Вероятно най -интересният и без отговор въпрос, който повдига статуята, е кой е скулпторът? Има много спекулации за това кой би могъл да създаде това произведение на изкуството, но няма категоричен отговор. Най -известните скулптори, които историците предполагат, е Питагор от Самос или Каламис, но има и много сходства с Пирей Аполон, друга известна статуя, изваяна в Атина.

Колесницата на Делфи е впечатляваща и рядка скулптура, която капсулира гръцката култура, изобразява нейната обширна история и демонстрира гръцката изобретателност, затова Инхиохос е една от най -известните и важни статуи на Гърция.


Споделен комплект флаш карти

Фигурална скулптура от неолитна Гърция: & ldquo Мислителят & rdquo 4500 пр.н.е.

Минойски бик, прескачащ фреска, Кносос

Бик = талисман на всичко мъжко, брутално, силно, плодородно

Акробат фреска = показва 3 основни позиции

Вазата за жътва: Hagia Triada,
° С. 1550-1500 г. пр.н.е. Издълбани от стеатит

показва мъже, които се връщат от полето

cistrum (от Египет) на човек играе, докато мъжете пеят заедно с напускане с богатство

непрекъснат разказ около ваза

Grave Circle A Gold Mask: & ldquoПогледах в лицето на Агамемнон & rdquo-Хайнрих Шлейман

Гробният кръг А съдържа 13 гробници. Смята се, че там са погребани около 9 възрастни мъже, 8 възрастни жени и 2 деца / тийнейджъри. Телата им бяха увити в обвивки и спуснати в шахтите на шахтата. Мъжките тела бяха украсени със златни маски.

Лъвската порта:
Монументална скулптура

два лъва, задни крака на земята предни крака на подиум

до колоната (всичко това е микенско?)

облекчаващ триъгълник, направен от по -лека скала, туфа?

Краят на Фригийското царство е фиксирана дата, около 675 г. пр. Хр.

Модели на ранни храмове., 800-700 г. пр. Н. Е., Теракотов храм/къща от Перахора,
вероятно произведени в Коринт. Вижте Lawrence & amp Boardman

Apsidal вход път/стъпка в нещо по -голямо.

Амфора Елеузис, 650 г. пр.н.е.
Шедьовър на протоатическата керамика

Носещ теле (Мосхофорос), 560 г. пр.н.е.

Шедьовър на гръцката статуя: The Peplos Kore, 530 г. пр.н.е.

& lsquoBasilica & rsquo/ Храмът на Хера
Най-старият от двете, 600-550 г. пр. Н. Е. В Пестум


Изкуството в епохата на съзнанието. Част II: Древна Гърция и появата на съзнание

Винаги ще остане загадка как човечеството би могло някога да прерасне в тази чудна мечта, която наричаме Гърция.

Колесницата на Делфи. 478-474 г. пр.н.е.

Тази поредица от есета е опит да се разгледа ролята на изкуството в живота през обектива на неговия произход и еволюция.

Миналата седмица в първото есе изследвахме как пещерните рисунки са възникнали по времето, което Ницше по -късно нарича първо интернализация на човека: появата на това, което познаваме като наш „вътрешен свят“. Според Ницше това се е случило, защото хората са трябвало да потискат външното изразяване на своите животински инстинкти, за да живеят в общество - и затова вместо това тези инстинкти са обърнати навътре. Така се роди разделението между вътрешния свят и външния свят, а стените на пещерите с изображения на животински духове служат като „мембрана“ между тях.

Готфрид Рихтер в „Изкуство и човешко съзнание“ проследява по -нататъшната еволюция на вътрешния свят на хората чрез наследяването на четири изобразителни архетипа: божественото животно, сфинкса на Древен Египет, кентавъра и накрая колесницата на древния Гърция (моят акцент):

Египет беше почитал природата на животното като нещо божествено и свръхчовешко & lt… & gt като далечен спомен от времето, когато човек все още преминаваше през етапа на животните. Това е първият етап.

Вторият етап също беше достигнат в Египет и може да бъде разпознат в този велик, загадъчен образ, който е нещо като въплъщение на цялата култура: сфинкса. Човешката глава се мъчи да избяга от тялото на животно. Това беше Египет: все още приклекнал силно в хоризонталното положение на животното и напълно отдаден на дъха и пулса на преобладаващите космически сили с най-голямата част от него. & lt… & gt

Кентавърът е третият етап от това развитие. Сега се ражда не само главата, но и гърдите, центърът на човешкия пулс и дишане. Но човекът все още е потопен в мрака на нощта. Вярно е, че мисленето и чувствата са освободени в човешката сфера, но действителните сили на волята ще се издигнат от дълбоката тъмнина, за да пренесат и придърпат човека навсякъде, където пожелаят. Кентавърът все още е по -свързан с животното, отколкото с човека. & lt… & gt

Колесницата е четвъртият етап в тази последователност от снимки, първите три от които бяха божественото животно, сфинксът и кентавърът. В колесницата развитието е завършено. Човекът се е отдръпнал от животното и е освободил животното от себе си. Сега той стои извън него, буден, самодисциплиниран и с контрол. & lt… & gt И вярно колесничар е Аполон. Той е небесният, божествен колесничар, който води слънцето нагоре със своя славен отбор от коне, той е този, който е преживял гъркът в себе си като божествената сила на егото му. "

Ницше, разбира се, не мислеше, че животинските инстинкти на човека са били наистина завладени (и вероятно беше прав - за добро или за лошо, те все още са тук). Ако не друго, човек е такъв и двете колесницата и конете му, едновременно (каквото и да мисли Егото за това), и изобщо не е ясно кой наистина контролира.

Има и друга важна разлика между концепцията на Ницше за „интернализация на човека“ и поредицата от етапи на Рихтер. Изглежда Ницше предполага, че вътрешният свят - и човешкото съзнание, такова, каквото го познаваме - е възникнало мигновено, в отговор на възхода на обществото. За разлика от това, поредицата от архетипи на Рихтер улавя постепенността на този процес - трябваше да минат много хилядолетия, преди древното божествено животно да се „раздели“ на колесницата и конете му.

Това разграничение е от съществено значение за цялата тази поредица, затова трябва да го обсъдя по -подробно, преди да се върна към изкуството само по себе си.

Значи Ницше беше прав? Дали художникът на Алтамира е имал по същество същия вътрешен свят като скулптора от Делфи (който е създал колесницата), и Сократ, и Питагор? Нищо ли не се беше случило с човешкото съзнание през междинните хилядолетия и така цялото развитие от бизона от Алтамира до Аполон, колесницата беше чисто напредък на художествената форма?

На първо място, това разбира се не е само Ницше. Това предположение-че ние, хората, сме имали по същество едно и също съзнание през цялото време, от праисторическите времена до наши дни-е дълбоко вградено в съвременното мислене, било то в хуманитарните или в социалните науки. За да дадем най-близкия пример, хипотезата на Дейвид Луис-Уилямс за произхода на изкуството в пещерните рисунки изрично се основава на идеята, че праисторическите художници са имали „напълно модерно съзнание“. Това е от съществено значение, тъй като това предположение му позволява да подкрепи хипотезата със съвременни експериментални данни за променените състояния на съзнанието.

По -общо, това предположение - че всички ние имаме фундаментално сходни „вътрешни светове“ (точно както имаме фундаментално подобни тела) и че това е вярно за всички хора на всички времена - това допускане прави много по -лесно изучаването на човечеството, неговата история и нейните социални структури. Човек може например да изучава група студенти в американски университет и да прави широкообхватни обобщения за „човешкото съзнание“. На друго ниво човек може да изучава съвременните езици и да прави изводи за техните предисторически аналози и за естествения език като цяло (признавам, че и аз самият бях ангажиран с тази практика).

Освен, че е крайъгълният камък на социалните и хуманитарните науки, това предположение-че всички ние по същество сме еднакви „отвътре“-е и съществен антидот срещу т. Нар. „Другост“, тоест против разглеждането на хора от други племена, култури , епохи по някакъв начин „по -малко човешки“ от нас самите.

Като цяло не е лесно да се откажеш от предположението.

Но колкото по -внимателно го разглеждаме, толкова по -трудно става не просто да го приемем имплицитно, но дори и да разберем какво всъщност представлява означава - дори само защото е трудно да се разбере какво означава думата „съзнание“. Самото това понятие, „съзнание“, е централно за времето, в което живеем, и изглежда, че го има навсякъде, но няма много съгласие за това какво означава думата. Например, в един смисъл може да се каже, че маймуните имат съзнание и следователно съзнанието предхожда човечеството в друг, едва по -късно в еволюцията на човечеството възниква съзнанието. В един смисъл всички ние имаме едно и също съзнание в друг, то може да бъде умишлено модифицирано чрез практикуване на медитация.

Но ние не търсим строго определение тук - и, отново да цитирам Ницше, „само нещо, което няма история, може да бъде определено“ (и съзнанието съвсем очевидно не е едно от тези неща). Важното е това напълно възможно е да се приеме хипотезата, че значителна промяна в еволюцията на съзнанието разделя божествените животни от Алтамира и колесницата на Делфи.

Това всъщност е хипотезата на Готфрид Рихтер и аз съм склонен да се съглася: идеята, че изкуството би могло да се промени толкова драматично сама по себе си, без никакви промени в човешкото съзнание, изглежда много по -малко убедителна. Много сложен и завладяващ вариант на тази хипотеза е предложен по -късно от Джулиан Джейнс в книгата си „Произходът на съзнанието в разпадането на двукамерния ум“.

Това, което Джейнс има предвид под „съзнание“, е познатото вътрешно съзнателно пространство, в което се интроспектираме, саморефлектираме, говорим със себе си, пътуваме във времето (с помощта на паметта и въображението), разказваме нашите преживявания, рационализираме (или „мислим чрез ”) Нашите решения. Това е, така да се каже, „мислещото“, „разказващото“ съзнание-приетият начин за вземане на рационални решения без външно ръководство и без да се разчита на интуитивни импулси. Поне това съзнание обича да вярва за себе си, въпреки че това вероятно е илюзия. С други думи, той се изживява като колесница на системата ум-тяло-„буден, самодисциплиниран и контролиращ“ (вярвам, че е по-близо до това, което (някои) други хора биха нарекли „его“).

Според Джейнс, това приказливо съзнание се появи сравнително наскоро, малко преди златния век на Древна Гърция. Преди това имаше нещо, което той нарича а двукамерен ум, в която дясното полукълбо на мозъка взема всички решения в критични ситуации и издава устни инструкции, преживявани като команди от богове (често придружени от халюцинации). Може би най -близкото, което един съвременен западняк може да достигне до това преживяване, винаги следва силен и ясен глас на интуицията, или по -скоро да бъде постоянно хипнотизиран от собствената си интуиция - така че да няма опит за „свободна воля“, „мислене“ (и, като бонус, без второ познаване на себе си и без отлагане).

Следващата седмица ще се върна към тази смяна и връзката й със златния век на Гърция. Но това, което искам да подчертая засега, е, че очевидно беше, следваща стъпка по пътя на интернализацията -и съпътстващото го отчуждение на света-на човешките същества: вътрешният свят беше станал още по-отделен от външния свят.

Точно докато пишех това есе, получих този пост в блога от Лео Бабаута във входящата си поща. Той пише за това как събитията в нашите вътрешни светове-нашите мисли, нашето съзнание за разказване на истории-ни пречат дори да забележим света там в цялата му красива слава:


Съдържание

Дебатът дали статуята представлява Посейдон или Зевс зависи от изгубения атрибут, държан в дясната ръка на фигурата. Както пише Каролайн Хаусър, "Понякога защитникът на Артемизион се нарича" Посейдон ". Известно е, че тези, които биха го направили, твърдят, че изображението трябва да е това на великия морски бог, откакто статуята е намерена в Средиземноморието. Но като другите статуи от напълно различни теми, този влезе в морето просто защото беше на борда на кораб, който потъна. Други цитират примера с монетите от Посейдония, пренебрегвайки много по -важните доказателства, представени от многобройните оцелели статуетки на Зевс, който изстрелва гръмотевицата си в поза съвпадащ с този на фигурата на Артемизион. " [6]

Основен допълнителен проблем с тази хипотеза е, че тризъбецът ще замъгли лицето, особено от изгледа на профила, който повечето учени (дори тези, които са подкрепили идентифицирането като Посейдон) са считали за най -или дори единствения важен изглед . Иконографските паралели с монети и рисуване във вази от същия период от време показват, че тази неясна поза е изключително малко вероятна. Въпреки това тризъбецът може да е бил необичайно къс, за да се избегне проблема. От друга страна, статуята е по същество по -голяма версия на обширна серия от по -малки твърди бронзови фигурки, простиращи се в края на 7 -ми век, всички от които са в една и съща поза и представляват Зевс. [7] Въз основа на тази и други иконографски паралели с рисуването във ваза [8], повечето учени в момента смятат, че това е Зевс. Мненията обаче остават разделени.

Иконографията на древногръцката керамика изобразява Посейдон, който борави с тризъбеца, когато е в бой, по-скоро с прободно движение (подобно на стойка за фехтовка или „аванс напред“) Зевс е изобразен да се бори с вдигната ръка, държейки мълнията над главата си , в същото положение като Артемизион Бронз (вижте „Посейдон и гигантските полиботи“, атически червенофигурен стамнос, приписван на художника Тролиос, както и „Зевс, който хвърля мълнията си в Тифон“ около 550 г. пр. н. е., която е чернофигурна халцидийна хидрия).

Богът е уловен в момента на пауза в пълния потенциал на предстоящото му движение, описано от Карол Матуш: „фигурата има потенциал за насилие, концентрира се, готова да хвърли, но действието тепърва започва и ние оставаме да съзерцава предстоящата демонстрация на сила. " [9] Това е оригинално произведение с голяма сила в стила Severe, предшестващо класическия стил от пети век, датиран през ок. 460 г. пр.н.е. Може да се направи сравнение с Колесница на Делфи, приблизително съвременен бронз.

Дискусиите относно произхода му са намерили шампиони за повечето от гръцките континентални центрове, технически способни за такава мащабна скулптура: Атика-където Христос Карузос [10] я свързва с Каламис (около 470–440 г. пр. Н. Е.)-Беотия, Егина, Сицион или Аргос. [11] Скулптурата също е свързана с Онатас [12] или Мирон [13], а също и с Критий и Несиот [14], но няма начин да се знае със сигурност кой е създал произведението.

Скулптурата е открита за първи път през 1926 г. [15] и допълнително разкопана през 1928 г. [16] [17] [18] на мястото на корабокрушение, станало не по -рано от средата на II век пр.н.е. За съжаление, не се знае много за развалината, тъй като проучването е изоставено, когато водолазът почина през 1928 г., и никога не е възобновено. Много такива корабокрушения са с римска дата и са от съдове, грабящи гръцкото изкуство в Италия, но не е ясно дали останките от Артемизион са един от тях. Жокеят от Артемизион - бронзова статуя на състезателен кон и неговия жокей - е намерен от същото корабокрушение, а Шон Хемингуей предполага, че жокеят и конят може да са били ограбени от Коринт през 146 г. пр. Н. Е. От римския пълководец Мумий в Ахейската война и беше на път за Пергам, когато се загуби. [19]

Главата на скулптурата, сега икона на елинската култура, е обект на гръцка пощенска марка от 500 драхми (в употреба 1954–1977 г.) и банкнота от 1000 драхми (първа емисия 1970, заменена през 1987 г.).


Проучване на историята на изкуството

Кон и геометричен символ от пещерите Ласко. ° С. 13 000 пр.н.е.

Крал Менкауре и кралица. ° С. 2490-72 г. пр.н.е.

Седнал писар. ° С. 2450 г. пр.н.е.

Нана Зикурат в Ур. ° С. 2100 г. пр.н.е.

Мъртвешкият храм на Хатшепсут. ° С. 1460 г. пр.н.е.

Ехнатон, Нефертити и Три дъщери. ° С. 1350 г. пр.н.е.

Небамун Фаулинг в блатата. ° С. 1350 г. пр.н.е.

Маската на Тутанкамон. ° С. 1323 г. пр.н.е.

Houmuwu Ding. ° С. 1300-1046 г. пр.н.е.

Дипилонова ваза. ° С. 755-750 г. пр.н.е.

Фигура Курос. ° С. 590-580 г. пр.н.е.

Ахил и Аякс играят на зарове. ° С. 540-530 г. пр.н.е.

Peplos Kore. ° С. 530 г. пр.н.е.

Kritios Boy. ° С. 480 г. пр.н.е.

Плоча на Ергастините. ° С. 445-438 г. пр.н.е.

Гробна стела на Хегесо. ° С. 410 г. пр.н.е.

Ступа Санчи. 3 век пр.н.е.

Теракотни воини от гробницата на Цин Ши Хуан. ° С. 210 г. пр.н.е.

Нике от Самотракия. ° С. 200-190 г. пр.н.е.

Александър Мозайка. ° С. 100 г. пр.н.е.

Аполоний. Боксер в покой. ° С. 100-75 г. пр.н.е.

Боядисана градина от Вила Ливия. ° С. 30-20 пр.н.е.

Лаокон и неговите синове. ° С. 27 г. пр.н.е. - 68 г. сл. Хр.

Август от Прима Порта. 1 век от н.е.

Флавиев амфитеатър или римски Колизей. ° С. 70-80 CE.

Стоящ Буда от Тахт-и-Бахи. ° С. 100 CE

Колоната на Траян. ° С. 107-113 CE.

Пантеонът в Рим. ° С. 118-128 CE.

Арка на Септимий Север. 203.

Христос като слънце. 3 век от н.е.

Лудовишки боен саркофаг. ° С. 250-260 CE.

Портрет на четирите тетрарха. ° С. 300 г. от н.е.

Арката на Константин. ° С. 312-315 CE.

Панел от слонова кост с Архангел. ° С. 525-550.

Шлем Sutton Hoo. В края на 6 век - началото на 7 век.

Страхотна катарама от злато от Сътън Ху. В началото на 7 век.

Евангелията на Линдисфарн (подробности от страницата на св. Матей). ° С. 700 CE.

Чакалте. Облекчение с Престолен владетел. В края на VIII в. Н.е.

Корица на евангелията на Линдау. ° С. 880-890.

Храмът Кандария Махадева. ° С. 1000 CE.

Гоблен Bayeux (подробности). ° С. 1070 CE.

Катедралата Свети Петър в Оснабрюк. 11 век с ремонти от 13 век.

Коронационна мантия. 1133/1134.

Кьолнската катедрала. ° С. 1248-1560, 1842-1880, 1950 реставрация.

Никола Писано. Пипски баптистерий амвон. 1260.

Санта Мария Новела. 13-15 век.

Джото. Оплакването. ° С. 1305.

Донатело. Свети Георги. 1415-17.

Мазачо. Данните на парите. ° С. 1425.

Мазачо. света Троица. 1425-27.

Ян Ван Ейк. Поклонение пред Мистичното Агне или Гентски олтар. 1425-32.

Ян Ван Ейк. Портретът на Арнолфини. 1434.

Петрус Христос. Портрет на картузиан. 1446.

Донатело. Мария Магдалина. ° С. 1455.

Реконструкция на Йерусалимския храм. ° С. 1460.

Шен Джоу (1427-1509). Висока планина Лу. 1467.

Андреа Мантеня. Плач на Христос. ° С. 1480.

Пиетро Перуджино. Доставка на ключовете до Свети Петър. 1481-82.

Албрехт Дюрер. Автопортрет на 13-годишна възраст. 1484.

Гайо Марчант. Танцът на смъртта. 1485.

Сандро Ботичели. Благовещение. 1490.

Леонардо да Винчи. Тайната вечеря. 1495-98.

Микеланджело. Пиета. 1498-99.

Темпието в Сан Пиетро в Монторио. ° С. 1502.

Албрехт Дюрер. Младият заек. 1503.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза. ° С. 1503-06.

Рафаел. Атинското училище. 1509-10.

Микеланджело. Създаването на Адам. ° С. 1512.

Рафаел. Мадона в облаците със СС. Сикст и Варвара или Сикстинската мадона. 1512.

Албрехт Дюрер. Меленколия I. 1514.

Тициан. Успение Богородично. 1516-18.

Тициан. Бакхус и Ариадна. 1522-23.

Ханс Холбейн Младши. Посланиците. 1533.

Ханс Холбейн Младши. Портрет на Хенри VIII. 1540.

Катерина ван Хемесен. Автопортрет. 1548.

Софонисба Ангуисола. Играта на шах или Лусия, Минерва и Европа Ангуисола играят шах. 1555.

Катедралата Свети Василий или Катедралата Покров на Пресвета Богородица на рова. 1555-1561.

Питер Бройгел Стари. Жътварите. 1565.

Питер Бройгел Стари. Ловци в снега. 1565.

Джузепе Арчимболдо. Библиотекарят. ° С. 1566.

Питер Бройгел Стари. Селската сватба. 1567.

Джузепе Арчимболдо. Есен. 1573.

Лавиния Фонтана. Автопортрет в Клавикорда със слуга. ° С. 1577.

Ел Греко (Доменикос Теотокопулос). Погребението на граф Оргаз. 1586.

Jacopo Tintoretto. Тайната вечеря. 1592-94.

Караваджо. Призоваването на Свети Матей. 1599-1600.

Анибале Карачи. Пиета. ° С. 1600.

Караваджо. Обръщането по пътя към Дамаск. ° С. 1600-01.

Караваджо. Вечеря в Емаус. 1601.

Питър Пол Рубенс Възвишение на кръста. 1610-11.

Ел Греко (Доменикос Теотокопулос). Поклонение на пастирите. 1612-14.

Артемизия Джентилески. Джудит убива Холоферн. ° С. 1614-20.

Антъни ван Дайк. Марчеса Балби. ° С. 1623.

Франс Халс. Шут с лютня. ° С. 1623-24.

Базиликата Свети Петър или Папската базилика Свети Петър във Ватикана. 1506-1626.

Джудит Лейстър. Автопортрет. 1630.

Рембранд ван Рейн. Урок по анатомия на д -р Николаес Тюлп. 1632.

Никола Пусен. Et в Аркадия Его. 1637-38.

Рембранд ван Рейн. Нощната стража или Офицери и мъже от ротата на капитан Франс, забраняващ Кок и лейтенант Вилхелм ван Рютенбург. 1642.

Джан Лоренцо Бернини. Екстазът на Света Тереза. 1647-52.

Диего Веласкес. Портрет на папа Инокентий X. ° С. 1650.

Карел Фабриций. Зигурата. 1654.

Герит Ду. Автопортрет. ° С. 1665.

Ян Вермер. Изкуството да рисуваш. ° С. 1668.

Ян Вермер. Географът. 1669.

Андреа Поцо. Апотеозът на св. Игнатий. 1685-94.

Дворец Версай. ° С. 1661-1710.

Джовани Паоло Панини. Древен Рим. 1757.

Джон Сингълтън Копли. А Момче с летяща катерица (Хенри Пелъм). 1765.

Жан-Оноре Фрагонар. Люлката. 1767.

Джон Сингълтън Копли. Уотсън и акулата. 1778.

Аделаида Лабил-Гиар. Автопортрет с две ученици. 1785.

Елизабет Виджи Ле Брун. Мария Антоанета и нейните деца. ° С. 1787 г.

Елизабет Виджи Ле Брун. Автопортрет с дъщеря си, Джули. 1789.

Мисията Аламо в Сан Антонио или Мисия Сан Антонио де Валеро. ° С. 1744-1793.

Жак Луи Давид. Смъртта на Марат. 1793.

Сградата на Капитолия на САЩ. 1793-1962.

Чарлс Уилсън Пийл. Стълбищна група (Портрет на Рафаел Пийл и Тициан Рамзи Пийл). 1795.

Гилбърт Стюарт. Джордж Вашингтон (Lansdowne Portrait). 1796.

Мисия Сан Хавиер дел Бак. ° С. 1783-1797.

Франсиско Гоя. Сънят на разума произвежда чудовища. 1799.

Олтарна глава за Оба. В края на 18-19 век.

Жак Луи Давид. Наполеон преминава Алпите. 1801-05.

Франсиско Гоя. На трети май 1808 г.. 1814.

Вашингтон Олстън. Илия в пустинята. 1818.

Каспар Дейвид Фридрих. Скитник над Морето на мъглата. ° С. 1818 г.

Теодор Жерико. Салът на Медуза. 1818-19.

Джон Констебъл. Пейзаж: Обед или Сеновата вълна. 1821.

Чарлс Уилсън Пийл. Художникът в неговия музей. 1822.

Кацушика Хокусай (1760-1849). Голямата вълна край Канагава. 1829-33.

Юджийн Делакруа. Свободата води народа. 1830.

Томас Коул. The Oxbow или Изглед от планината Холиок, Нортхемптън, Масачузетс, след гръмотевична буря. 1836.

Томас Коул. Мечтата на архитекта. 1840.

Джоузеф Малорд Уилям (J. M. W.) Търнър. Робски кораб (Робари, хвърлящи зад борда мъртвите и умиращите, идва тайфунът). 1840.

Гюстав Курбе. Автопортрет (Отчаяният човек). ° С. 1843-45.

Ашър Браун Дюран. Сродни души. 1849.

Гюстав Курбе. Погребение в Орнанс. 1849-50.

Амануел Лютце. Вашингтон, пресичащ Делауеър. 1851.

Джон Еверет Миле. Офелия. 1851-52.

Роза Бонхьор. Конният панаир. 1852-55.

Утагава Хирошиге. Внезапен дъжд над моста Шин-Охаши и Атаке. 1857.

Жан-Франсоа Миле. Очистителите. 1857.

Джеймс Макнийл Уислър. Симфония в бяло No1 или Бялото момиче. 1862.

Оноре Домие. Колата от трета класа. ° С. 1862-64.

Алберт Бирщат. Долината на Йосемити. 1864.

Уинслоу Омир. Ветеранът в ново поле. 1865.

Сграда на Капитолия на щата Канзас. 1866-1903.

Едуард Мане. Портрет на Емил Зола. 1868.

Джеймс Макнийл Уислър. Аранжимент в сиво и черно №1 или Майката на Уислър. 1871.

Клод Моне. Впечатление, Изгрев. 1872.

Томас Моран. Големият каньон на Йелоустоун. 1872.

Берта Моризо. Люлката. 1872.

Едуард Мане. Железницата. 1873.

Томас Икинс. Брутната клиника. 1875.

Джеймс Макнийл Уислър. Ноктюрн в черно и злато - падащата ракета. 1875.

Огюст Реноар. Танцувайте в Le Moulin de la Galette. 1876.

Гюстав Кайбот. Парижка улица, Дъждовен ден. 1877.

Мери Касат. Читателя. 1877.

Ева Гонсалес. Бавачка и дете. 1877/1878.

Мери Касат. В Ложата. 1878.

Мери Касат. Малко момиче в син фотьойл. 1878.

Едгар Дега. Малка танцьорка, на четиринадесет години. 1878-81.

Едгар Дега. Мис Ла Ла в Cirque Fernando. 1879.

Томас Аншуц. Обедът на железарите. 1880.

Мари Башкирцев. В студиото. 1881.

Джон Сингър Сарджент. Дъщерите на Едуард Дарли Бойт. 1882.

Жорж Сера. Неделен следобед на остров Le Grande Jatte. 1884-86.

Уинслоу Омир. Мрежата за херинга. 1885.

Джон Сингър Сарджент. Карамфил, Лили, Лили, Роза. 1885-86.

Жорж Сера. Цирково странично шоу (Parade de Cirque). 1887-88.

Винсент ван Гог. Тераса на кафе през нощта или Кафене, вечер. 1888.

Джон Уилям Уотърхаус. Дамата от Шалот. 1888.

Огюст Роден. Бюджетите на Кале. 1884-89

Първата сграда на Националната банка. 1889 г.

Винсент ван Гог. Автопортрет. 1889.

Винсент ван Гог. Звездна нощ. 1889.

Уилям Мерит Чейс. Карменсита. 1890.

Мери Касат. Майчина ласка. 1890-91.

Мери Касат. Банята на детето. 1893.

Хенри Осава Танер. Урокът по банджо. 1893.

Пол Сезан. Натюрморт с буркан от джинджифил и патладжани. 1893-94.

Сесилия Бо. Ернеста (Дете с медицинска сестра). 1894.

Клод Моне. Катедралата в Руан: Порталът (слънчева светлина). 1894.

Камил Писаро. Булевард Монмартър в зимна сутрин. 1897.

Пол Сезан. Мон Сен Виктоар. 1902-04.

Огюст Роден. Мислителят. 1903.

Пабло Пикасо. Старият китарист. 1903-04.

Робърт Анри. Млада жена в бяло. 1904.

Голямата джамия на Джене. 1907 г.

Робърт Анри. Ева Грийн. 1907.

Джордж Беллоус. Елен при Шарки. 1909.

Жорж Брак. Мандора. 1909-10.

Умберто Бочони. Състояния на ума I: Сбогуванията. 1911.

Василий Кандински. Импровизация 28 (втора версия). 1912.

Пабло Пикасо. Натюрморт с консервиране на стол. 1912.

Умберто Бочони. Динамичност на футболист. 1913.

Умберто Бочони. Уникални форми на приемственост в космоса. 1913.

Робърт Анри. Там Ган. 1914.

Джейкъб Епщайн. Торс в метал от The Rock Drill. 1913-15.

Клод Моне. Водни лилии. 1916.

Джеймс Монтгомъри Стаг. Искам те за американската армия. 1917.

Хана Хох. Нарежете с кухненския нож Дада през последната културна епоха на Република Бира-корем на Ваймар в Германия. 1919.

Джон Сингър Сарджент. Газиран. 1919.

Пабло Пикасо. Трима музиканти. 1921.

Константин Бранкузи. Птица в космоса. 1923.

Василий Кандински. На бяло II. 1923.

Ласло Мохоли-Наги. Композиция A.XX. 1924.

Чарлз Демут. Видях Фигура пет в злато. 1928.

Рене Магрит. Предателството на изображенията. 1929.

Пит Мондриан. Композиция No 2 с червено и синьо. 1929.

Сграда на Крайслер. 1928-1930.

Bonecutter-Dimond Chevrolet Punion Station. 1930 г.

Първата сграда на Националната банка. 1930 г.

Грант Ууд. Американска готика. 1930.

Грант Ууд. Стоун Сити, Айова. 1930.

Томас Харт Бентън. Средният Запад от стенописа, Америка днес. 1930-31.

Салвадор Дали. Устойчивостта на паметта. 1931.

Александър Хоуг. Купа за прах. 1933.

Лили Фуреди. Метро. 1934.

Диего Ривера. Човек -контролер на Вселената. 1934.

Джорджия О'Кийф. Еленски череп с Педернал. 1936.

Джон Стюарт Къри. Трагична прелюдия. 1937.

Салвадор Дали. Метаморфоза на Нарцис. 1937.

Пабло Пикасо. Герника. 1937.

Fallingwater или The Kaufmann Residence. 1936-1939.

Джон Стюарт Къри. Пейзаж на Уисконсин. 1938-39.

Хейл Уудраф. Бунтът от Стенописите на Амистад. 1938-39.

Джорджия О'Кийф. Хибискус и Plumeria. 1939.

Пит Мондриан. Композиция No10. 1939-42.

Томас Харт Бентън. Бурята от градушка. 1940.

Фрида Кало. Автопортрет с колие от трън и колибри. 1940.

Едуард Хопър. Nighthawks. 1942.

Джаксън Полок. Стенопис. 1943.

Норман Рокуел. Свобода на словото. 1943.

Норман Рокуел. Закръгленият Роузи. 1943.

М. С. Ешер Рисуване на ръце. 1948.

Джаксън Полок. No 5, 1948 г.. 1948.

Андрю Уайт. Светът на Кристина. 1948.

Алберто Джакомети. Куче. 1951.

М. С. Ешер Относителност. 1953.

Норман Рокуел. Триумф в поражението или Момиче с черно око. 1953.

Марк Ротко. № 61 (ръжда и синьо). 1953.

Кей Сейдж. Утре е никога. 1955.

Бриджит Райли. Движение в квадрати. 1961.

Едуард Хопър. Офис в Ню Йорк. 1962.

Франк Стела. Хиена Стомп. 1962.

Уейн Тибо. Салати, сандвичи и десерти. 1962.

Анди Уорхол. Консерви за супа на Кембъл. 1962.

Рой Лихтенщайн Уам!. 1963.

Рой Лихтенщайн Оххх Добре. . 1964.

Джеймс Розенквист. F-111. 1964-65.

Джоан Миро. Урок по ски. 1966.

Барнет Нюман. Кой се страхува от червено, жълто и синьо. 1966.

Ричард Естес Автобус с отражение на сградата Flatiron. 1966-67.


Китай

Най -ранните археологически доказателства за колесници в Китай, място за погребение на колесници, открито през 1933 г. в Хуганг, Анянг в провинция Хенан, датират от управлението на крал У Дин от късната династия Шан (около 1200 г. пр. Хр.). Костните надписи на Oracle предполагат, че западните врагове на Shang са използвали ограничен брой колесници в битка, но самите Shang са ги използвали само като мобилни командни превозни средства и в кралски лов. [22]

По време на династията Шан членове на кралското семейство са погребани с пълно домакинство и слуги, включително колесница, коне и колесница. Колесницата на Шан често е теглена от два коня, но в погребения понякога се срещат варианти с четири коня.

Жак Гернет твърди, че династията Джоу, завладяла Шан ок. 1046 г. пр. Н. Е. Използвал колесницата повече, отколкото Шанг и „изобретил нов вид впряг с четири коня в крак“. [23] Екипажът се състоеше от стрелец, шофьор, а понякога и трети воин, който беше въоръжен с копие или кама-брадва. От 8 -ми до 5 -ти век пр. Н. Е. Китайската употреба на колесници достига своя връх. Въпреки че колесниците се появяват в по -голям брой, пехотата често побеждава колесниците в битка.

Войната с масови колесници е остаряла след периода на воюващите държави (476-221 г. пр. Н. Е.). Основните причини бяха увеличеното използване на арбалета, приемането на стандартни кавалерийски части и адаптирането на монтираната стрелба с лък от номадската конница, които бяха по -ефективни.Колесниците ще продължат да служат като командни места за офицери по време на династията Цин (221-206 г. пр. Н. Е.) И династията Хан (206 г. пр. Н. Е.-220 г. сл. Н. Е.), Докато бронираните колесници също са били използвани по време на династията Хан срещу конфедерацията Сионгну в Хан- Война Xiongnu (133 г. пр. Н. Е. До 89 г. сл. Н. Е.), По -специално в битката при Мобей (119 г. пр. Н. Е.).

Преди династията Хан властта на китайските държави и династии често се измерваше с броя на колесниците, за които се знаеше, че имат. Страна с хиляда колесници, класирана като средна страна, и страна с десет хиляди колесници, класирана като огромна и мощна страна. [24] [25]


Колесница на Делфи, c. 478-474 г. пр.н.е. - История

Баптистерий Албенга, вътрешен изглед, началото на 6 век, Албенга, Италия

„Раннохристиянските баптистерии бяха нещо повече от удобни убежища за литургични обреди. Те функционираха като символи сами по себе си, тяхната форма и украса отразяваха и засилваха богословското значение или значение на ритуала. Докато формите и тяхното обзавеждане са специално построени, за да приспособят сложна церемония с регионални и местни вариации, някои детайли от техния дизайн са имали за цел да изразят значението и целта на обреда … ”пише Р. Йенсен в своята книга от 2010 г. Жива вода. The Баптистерий Албенга възнамерява накратко да проучи великолепен пример за раннохристиянската баптистерийна архитектура. https://brill.com/view/book/9789004189089/Bej.9789004188983.i-306_008.xml

Албенга е стар италиански град с богата история. Построен в Генуския залив, в провинция Савона в Лигурия, Албенга е очарователно прозвището Град на сто кули. През римския период Албенга е бил оживен пристанищен град, наречен Albium Ingaunum. Интересното е, че древната римска структура на града е оцеляла във времето и днес двете римски главни улици, „Кардо“ и „Декуманус“ се пресичат в съвременния му център. Градът е известен и с останките от римския кораб, изложен във Военноморския музей. Тази находка от морската археология е „най -големият римски транспортен кораб, известен до момента в Средиземноморието, с товар над 10 000 амфори и следователно с нетен капацитет от 450/500 тона. Амфорите съдържаха вино от Кампания, предназначено за пазарите на Южна Франция и Испания. Заедно с вино, черно глазирана керамика ... ”и други видове керамика за износ също бяха открити. https://www.scoprialbenga.it/en/roman-naval-museum.htm В допълнение към римските руини, Албенга може да се похвали с великолепни раннохристиянски и средновековни паметници като катедралата на града от 12-ти век, известния баптистерий от 6-ти век, който ще по -нататъшно обсъждане и „сто“ от средновековните кули.

Баптистерията Албенга е построена в началото на шести век след Христа, когато градът, след опасен период на вълнения, е реконструиран от император Флавио Костанцо в опита му да възстанови Римската империя. Баптистерията Албенга може да бъде описана като осмоъгълна стая с кръщелно купе в средата и „вътрешни стени, съчленени в две аркади, една над друга, и първоначално покрити с купол“. Долната аркада представя осем арки, последвани от ниши, по една от двете на всяка от осемте стени. Всяка ниша има полукръгла или правоъгълна основа и малък прозорец за осветяване. "Две от нишите, на югозапад и югоизток, имат врати, свързващи осмоъгълната стая с външната страна." Горната аркада на Баптистерия има шестнадесет арки, седем от които са големи прозорци, един по -малък по размер, а останалите арки между прозорците, просто затворени. Интересното е, че „докато осмоъгълната форма доминира във вътрешността на сградата, а също и от външната страна на горната част, по -дебелата, долната част има неправилна, десетоъгълна външна форма, вероятно за да се адаптира към околните сгради, за които малко се знае“. В крайна сметка това е амбициозен раннохристиянски архитектурен проект, „реализиран чрез важни икономически и архитектурни усилия“. https://www.academia.edu/

Смята се, че интериорът на Баптистерия е украсен със смела мозаечна картинна програма, която обхваща най -вероятно нишите, стените и настилката около кръщелния купол на Баптистерия. Днес единствената част, покрита с мозайки, е сводът на цевта над североизточната вътрешна ниша. Четене на Натан С. Денис Визуализиране на тринитарното пространство в баптистерия Албанга, научаваме, че „баптистерията в началото на шести век в Албенга, Италия, съдържа един от най-ранните опити да се представи християнската Троица в изобразителна форма“.

Тази мозайка е направена от две части. По-голямата част от двете представя „тристранна група от взаимосвързани Chi-Rho монограми, отпечатани върху еднакво тристранен градиентно-син симбос“ от златисто-жълти и бели мраморни тесери за Chi-Rho и кръгово поле от светлосиня стъклена мозайка за нимбуса. „Около монограма има дванадесет бели гълъба непосредствено над монограмата е малка кълбо, съдържащо златен кръст и ... осемдесет и шест осем-остри бели звезди на дълбок фон с цвят на лапис ...“ По-малкият от двата е на люнетата горе прозорецът и показва две агнета, заобикалящи кръст със скъпоценни камъни в райски пейзаж на зелен и син фон.

И двете композиции са в рамка с дебела рамка от ринсо на поразително бял фон. Има втора граница, както геометрична, така и флорална, от долната страна на арката на прозореца, ограждаща бяла котва, и отново, над входа на нишата, ограждаща надпис, който гласи „NOMINAMVS QVORVM HIC RELIQVIAE SVNT“ или „Ние се обаждаме върху [тях], чиито реликви са тук. " Надписът е придружен от имената на „Св. Стефан, Йоан Евангелист, Лорънс, Набор, Протасий, Феликс и Гервасий, като двете липсващи имена в най -долния регистър обикновено се смятат за Свети Виктор и Сикст I. ”

За ученическа дейност, моля ... проверете ТУК!

Амфорискос от синьо стъкло от Помпей

Син Стъклен амфорискос с купидони, събиращи грозде от вилата на мозаечните колони в Помпей, между около 1 и около 79 г. сл. Хр., Cameo Glass, Археологически музей в Неапол

„Ах, щастливи, щастливи клони! което не може да хвърли / Твоите листа, нито някога да се сбогуваш с пролетта / И, щастлив мелодист, неуморен, / За вечни песни за винаги нови / По -щастлива любов! по -щастлива, щастлива любов! / За винаги топло и все още да се наслаждавате ’d, / За вечно запъхтяно и завинаги младо / Цялата дишаща човешка страст далеч отгоре, / Това оставя сърце със скръб и мъгла ’d, / Изгарящо чело и изсъхнало език. ” Написа Джон Кийтс в известната си Ода на гръцка урна ... Какво ще кажете за Амфорискос от синьо стъкло от Помпей ще обсъдим днес кой ще го раздава? https://www.poetryfoundation.org/poems/44477/ode-on-a-grecian-urn

Портланд Ваза, между около 1 и около 25 г. сл. Хр., Cameo Glass, В 24 см, диам. 17,7 см, Британски музей
Стъклен амфорискос с купидони, събиращи грозде от вилата на мозаечните колони в Помпей, между около 1 и около 79 г. сл. Хр., Cameo Glass, Неаполския археологически музей

Вазата Портланд Камео може да е известна със своята шик и просто дизайн, но Pompeiian Cameo Amphorisko е шик, но определено не е прост! Той е луксозно богат, сложно проектиран, пищно украсен, показен, пищен… но елегантен по „бароков“ начин! Класицистът, на когото се възхищавам на вазата в Портланд ... моята елинистична психика обаче е изцяло за Помпейския Амфориско!

Беше 29 декември 1837 г. и археологическият обект на Помпей беше посетен от краля на Неапол и Сицилия Фердинанд II. Какъв щастлив ден за багерите и гостуващия крал ... рядка камео ваза от синьо стъкло, считана днес за едно от най -важните съкровища на Националния археологически музей в Неапол, беше открит в района на затворената, малка, погребална градина на Вилата на мозайковите колони. Не знам доколко е вярна тази история ... но на мен ми харесва романтикът! https://www.interno16holidayhome.com/2019/02/22/discovering-the-blue-vase-of-pompeii/ Точната дата за откриването на Синьото стъкло Амфориско вероятно е 1834 г., намираща се на археологическия музей в Неапол . Колкото и усилено да търсих в интернет източници, намерих малко повече ... https://www.museoarcheologiconapoli.it/en/en/room-and-sections-of-the-exhibition/metal-ivory-and-glass-objects/

Районът, където е открит Синьото стъкло Амфорискос.

Pompeian Blue Glass Amphoriskos е много рядък пример за древно камео стъкло. Това е вид луксозен кораб, вдъхновен от сложни елинистични скъпоценни камъни, изключително популярен през периода на Августа и Юлио-Клавдиан, от 27 г. пр.н.е. до 68 г. сл. Хр. Въз основа на продължителни изследвания на Дейвид Уайтхаус от Музея на стъклото Corning, днес има само 15 съществуващи съда и около 200 фрагмента от стъкло Cameo в музеи и частни колекции. Римляните създават съдове Cameo, големи стенни плочи и малки бижута, използвайки майстори с най -добрите технически умения, като изключително скъпи предмети на лукса за римската аристокрация. https://www.bbc.com/culture/article/20130916-mystery-of-a-missing-masterpiece и https://www.metmuseum.org/toah/hd/rcam/hd_rcam.htm

Музеят на стъклото Corning описва парче от стъкло на Римско камео като „обект с два или повече слоя с различни цветове, горният слой е частично отрязан за модна украса в нисък релеф на фона на контрастен цвят. Повечето римски примери са направени с два слоя, обикновено бяло над синьо. Въпреки това, фрагменти от съдове съществуват с повече от два слоя, а понякога и до пет. https://www.cmog.org/set/reflecting-antiquity-cameo?id=1376

Pompeian Blue Glass Amphoriskos е луксозно декориран с дионисиеви сцени, особено сцени от гроздобера. „От едната страна амур излива богато грозде в вана, където друг амур има намерение да пресова вино. Сцената е рамкирана от две ниски широки колони, на които седят два амура, докато придружават гроздобера, свирейки на спринцовката и двойната флейта. На отсрещната страна стои клинос (легло), където лежат два амура, единият от които свири на лира, докато на другите две колони амур бере грозде, а другият държи китка в ръка и кошница вече пълен по главата. " Между тези две сцени е изобразена дионисиакска „маска“ с грозде, гъбички и птици! В самото дъно на вазата художникът, създал това невероятно синьо стъкло Amphorisko, майсторски представя поредица от животни, хранещи се с трева и храсти, между бели, тънки, хоризонтални линии. Какво постижение в малък мащаб! https://www.museoarcheologiconapoli.it/en/room-and-sections-of-the-exhibition/metal-ivory-and-glass-objects/

За PowerPoint на Вила на мозаечните колони, моля ... щракнете ТУК!

Вила на мозаечните колони

Мозаечни колони от Вилата на мозаечните колони в Помпей, 1 век от н.е., Национален археологически музей в Неапол

„Ако имате градина в библиотеката си, ние няма да искаме за нищо“ написа Марк Тулий Цицерон на своя прословут нов приятел Марк Теренций Варон … и той е толкова прав! Градинарството може да бъде толкова удовлетворяващо и римляните го разбраха и по този начин “ В средата на римските сгради …а площад без покрив, често с гръцки скулптури и храмове, беше мястото, където градините Hortus бяха засадени и се наслаждаваха. Обикновените римляни може да са имали само малък двор или павиран квадрат с саксии. Мнозина отглеждаха основни храни като тънка стена срещу гладуване. Богатите се радваха на много по-големи, по-плодородни и изискани градини, често по-близо до парковете, отколкото в дворовете, кореспондентът на Цицерон,#8217, Варон, беше не само добре заможен но и учен по градинарство и земеделие. В светлината на това е вероятно Варон да е предложил на Цицерон добре заредена библиотека, а в нея и луксозна градина. ” Вила на мозаечните колони е за една такава прекрасна градина, много специално декорирана ... https://www.commonsenseethics.com/blog/5-things-that-you-need-to-be-happy-according-to-cicero

The Вила на мозайковите колони Помпейският адрес е от северната страна на Via delle Tombe, зад решетките и магазините с лице към оживената улица, водеща към Херкуланум. Така или иначе, вие избирате да влезете в тази интересна вила ... влизаш в градина. Харесва ми да избирам Вход А (вижте плана на вилата POST), защото Градина С е по-голяма, има украсена с мозайка Нимфеум и пергола, поддържана на четири великолепни мозаечни колони. Благодарение на тези уникални мозаечни колони Вилата с основание е взела името си. https://sites.google.com/site/ad79eruption/pompeii/villas-outside-the-walls/villa-of-the-figured-capitals

Колоните на вилата са великолепни! Те са покрити с цветни мозаечни декорации с последователни ленти с геометрични, флорални и/или фигуративни дизайни. За съжаление вилата е в лошо състояние на съхранение и затова скоро след откриването им колоните бяха премахнати и отнесени в Националния археологически музей в Неапол, където днес могат да бъдат видени.

До втората градина G има достъп от широко отворена зона от северната страна на градина C, както и от коридор, водещ към Via delle Tombe. От оригиналната украса са оцелели много малко, освен лалариум в югозападния ъгъл. Колонадата на север маркира входа към основните жилищни помещения, които за съжаление са в почти разрушително състояние. Вилата е може би най -показната в района. „Декорацията в изящната живопис и мозайки, величието на архитектурата и размерът на слугинските помещения поставиха Вила де Колон и Мозайконаравно с или по -голямо от неговите непосредствени съседи, над което буквално се извисяваше. И накрая, редицата магазини, които се намират под вилата, която със сигурност е построена по време на комбинирана последователност от строителства, предполага, че един източник на богатството на собственика на вилата са занаятите, практикувани от тези, които са работили и живеели в този комплекс. Следователно магазините подкрепяха Вилата икономически, както и физически, разширявайки метафората в ясно видимо изявление на социалната йерархия на града - изявление, което допълва публичното представяне, което самата Вила представлява. ” http://online.sfsu.edu/pompeii/research2006.html

Интересно откритие се намира в южната/източната страна на вилата, където в затворен корпус са открити гробница и уникална синя и бяла стъклена ваза. Според Яшемски… „Тъй като това беше единствената гробница, която имаше врата, водеща от гробницата към градината, и тъй като единственият вход към градината беше от вилата на Мозаечните колони, беше очевидно, че гробницата и нейната градина принадлежал на тази вила. " Jashemski, W. F., 1993. Градините на Помпей, том II: Приложения. Ню Йорк: Caratzas, (стр.256).

Днес, Синя стъклена ваза, намерена във вилата на гробницата на колоните на мозайката, е едно от най -ценните съкровища на Археологическия музей в Неапол. Ще обсъдим тази невероятна ваза в Вила на мозаечните колони, част 2.

Стъклен амфорискос с купидони събирайте грозде от вилата на мозаечните колони в Помпей, между около 1 и около 79 г. сл. Хр., Cameo Glass, Археологически музей в Неапол

Бих искал да завърша този POST за пореден път с Цицерон, който с напредването на възрастта все повече се наслаждаваше на спокойствието и спокойствието на градините си, или във вилата си Tusculum, където се оттегли в библиотеката и градините си, за да мисли и пише , или неговата семейна вила в Арпинум, където през по -късните си години той събираше своите свитъци и кодекси, далеч от Рим, за по -добра защита. “С помощта на нашите ръце, ние се борим да създадем втори свят в света на природата ” Цицерон пише, мислейки като стоически философ, за когото "Градината беше микрокосмос от по -големия ред на космоса." https://www.commonsenseethics.com/blog/5-things-that-you-need-to-be-happy-according-to-cicero

За PowerPoint на Вила на мозаечните колони, моля ... щракнете ТУК!

Месец август

Месец август, последно 1407, вероятно от Маестро Венцеслао, Фреска, Торе Акила, Кастело дел Буонконсильо в Тренто, Италия

„Аз съм жътварка, чиито мускули са залегнали при залез слънце. Всичките ми овесени ядки са люти. / Но аз съм твърде охладен и твърде уморен, за да ги обвържа. И гладувам. / Напуквам зърно между зъбите си. Не го вкуся. / Цял ден съм на полето. Гърлото ми е сухо. Гладувам / Очите ми са затрупани с прах от овесени полета по време на прибиране на реколтата. / Аз съм сляп човек, който се взира през хълмовете, търсейки полета на други жътвари. … ”пише афро-американският поет Жан Тумер (1894—1967) и аз се сещам Месец август от маестро Венцеслао, в Торе Акила, Кастело дел Буонконсильо в Тренто, Италия. https://www.poetryfoundation.org/poems/53989/harvest-song

Цикълът на дванадесетте месеца е любима тема в изкуствата на Средновековието и Ранния Ренесанс. Често свързан със знаците на зодиака, цикълът на месеците често се възприема като връзка между работата на човека, сезоните на годината и Божия ред на Вселената. Като тема, тя се повтаря в скулптурните декорации на катедрали и църкви в цяла Европа, в илюминирани ръкописи като популярните Книги на часовете, дворцови стенописи и рядко панелни картини.

Панелите със стенописи в Torre Aquila са редки и специални. Те документират живота в района на Трентино, с препратки към аристократични забавления през цялата година или към селските дейности и задължения към своите господари. Те също така изобразяват ярък пейзаж, романтизиран дори тогава, от гол и покрит със сняг, до богат и плодороден, до есен, покрит с паднали листа.

Август е специален месец за жителите на Трентино и маестро Венцеслао го нарисува, за да ни напомни. Лесно можем да си представим, че принц Джорджо ди Лихтенщайн се отпуска в тази специална стая, далеч от шумния му двор ... и сред книгите и любопитствата му се наслаждават на перфектния свят, създаден от него маестро Венцеслао! Какво лакомство!

Фреската от месец август е хоризонтално разделена на три зони, долната от които е посветена за пореден път на соколарството, европейския спорт par excellence, за аристокрацията.Фреската изобразява две елегантни дами, едната облечена в светло синьо, другата в синьо-черно и джентълмен, държащ дълга пръчка, готова да започне лов! Току -що излязоха от набраздената врата на замък и тръгнаха към гористи местности, с ястребите си в ръка, обучени за лов. Август е летен месец на свободното време и моментите на соколовство показват привилегия, сила и социален статус.

Определяйки соколовството, бихме казали, че това е „лов на диви животни в естественото им състояние и местообитание чрез дресирана граблива птица“. Соколарството най -вероятно е започнало в Месопотамия или в западна Монголия. В Европа и към последната част от живота си крал Фридрих II, човек с изключителна култура, енергия и способности, написа решителен трактат за соколството, озаглавен De arte venandi cum avibus (“ Изкуството на лов с птици ”) за спорта, който „вероятно е въведен около 400 г. сл. Хр., Когато хуните и аланите нахлуха в Европа от изток“. Очевидно Falconry е аристократичен спорт, който се радва еднакво на мъже и жени. https://en.wikipedia.org/wiki/Falconry

Маестро Венцеслао посвещава по-голямата част от композицията от август на трудолюбивите селяни от Тренто. В горната зона фермерите имат много да работят. Време е за прибиране на реколтата, пейзажът става златистожълт и мъжете и жените работят усилено, огъвайки се под парещото слънце, за да косят реколтата, да събират класове, да ги връзват на снопове и да ги подреждат на купчини. И това не е достатъчно! Земеделските производители все още трябва да натоварят вагоните си с тежко зърно, както е изобразено в средната зона, и да транспортират ежедневната си упорита работа по черния път до съседното село, където ще го съхраняват в местната плевня. Селото несъмнено е живописно, с къщи в цвят охра, сламени покриви и малка църква, ярко оцветена в розово. Любимата ми винетка, изображението на селския свещеник, застанал на прага на свещеника с намерение да чете, без да обръща внимание на стоката около него. https://www.buonconsiglio.it/index.php/Castello-del-Buonconsiglio/monumento/Percorso-di-visita/Torri/Torre-Aquila

А PowerPoint върху стенописите на Торе Акила за месеците август и септември е ... ТУК!

Архангел Гавриил от Света София

Архангел Гавриил, 9-ти век, южната страна на Бема на Светата Апсида, цяла фигура, видяна през скелета, заснета през 1938 г., MS.BZ.004-03-01-02-016-029, Византийският институт, Записи и документи на Дъмбъртън Оукс, ок. края на 1920-те и 2000-те, Колекции от изображения и Архиви на полеви работи в Дъмбъртън Оукс, Попечители на Харвардския университет, Вашингтон, окръг Колумбия

„Уитмор сега работи върху огромен архангел, върху лицевата страна на арката S. пред Е. полукупола. В същия мащаб като Богородица, той беше един от двамата й пазачи. Дали неговият колега по лицето на N. е запазен или не, Уитмор все още не знае. Но този на лицето S. е много добре запазен: направени са достатъчно тестове, за да се установи това. И той може да е от ранния македонски период: X или дори IX - след 842 г., когато изображенията най -накрая бяха възстановени. Можете да си представите с каква жажда очаквам откровението. "Това е откъс от писмо, което Роял Тайлър е написал до Милдред Барнс Блис, на 11 октомври 1936 г., за разкриването на мозайките на Света София и Архангел Гавриил от Света София в частност. https://www.doaks.org/research/library-archives/dumbarton-oaks-archives/historical-records/bliss-tyler-correspondence-excerpts#uncovering-of-the-mosaics-of-hagia-sophia–constantinople&# 8211октомври-1936 г.

Архангел Гавриил, Мозайка в южната част на Бема на Светата Апсида, 9 век, Света София от Константинопол

Кореспонденцията от 1902 до 1953 г. между Милдред и Робърт Уудс Блис, основателите на Дъмбъртън Оукс, и техният близък приятел и съветник по изкуствата, Роял Тайлър и съпругата му Елисина, са важни първични източници и документират формирането на колекцията от произведения на Блис. Те също така обсъждат съвременна история, литература и поезия, музика, политика и експатриански живот ... https://www.doaks.org/research/library-archives/dumbarton-oaks-archives/historical-records/bliss-tyler-correspondence- откъси

Два монументални мозаечни архангела, Михаил и Гавриил, с височина над 10 метра, стояха на стража, ограждайки Мария с Христос Младенец в скута й в Голямата църква на Светата Божия Мъдрост в Константинопол. Датиращи от 9 -ти век, те са били с епични размери, извисяващи се над софата Бема на Свещената Апсида, масивни и солидни, но ... където и да стояхте и както и да ги гледате, те изглеждаха величествени, внушителни и ефирни, докато те левитирани върху златното мозаечно легло на божествената светлина. Архангели Михаил и Гавриил стояха царствено и внушително, членове на небесен съд на честта за Христос и майка му, великолепно облечени в бяло и златно, точно както членовете на Императорския двор стояха до императора.

Днес презентацията на Архангел Михаил от северната страна на софита Бема за съжаление почти напълно липсва. Габриел обаче все още е добре запазен, като ни помага да разберем великолепието на композицията на Света Апсия на Света София. Моето очарование стои с лицето на Габриел и невероятната способност на византийския мозаик да използва стотици различни по размер тесери и безброй различни цветни камъни или стъкло, за да създаде лице на духовност и трансцендентализъм в такъв грандиозен мащаб, с контури на лицето и усещане за триизмерност, която изумява зрителя.

Да цитирам Боб Ачисън „Плътните тонове, използвани в лицето и шията, са финозърнест бял мрамор, проконнезийски бял мрамор, проконнезийски сив, кремав мрамор (използван много пестеливо) и два или три тона розов мрамор. Освен това се използва широко белезникаво млечно стъкло, което понякога има синкав, понякога лилав оттенък, което образува дясното очертание на лицето, лявото очертание на челото, джобовете под очите, зоната на светли сенки вляво от носа и т.н. и с розов мрамор. Върхът на носа и раздялата на устата са в тъмночервено стъкло. Vermilion стъкло се използва в устните (в долната устна се смесва с розов мрамор) и една линия от него образува края на брадичката. Ноздрите са в черно стъкло. В лицето на архангела няма зелено или жълто-зелено. " https://www.pallasweb.com/deesis/angel-bema-hagia-sophia.html

„Изглежда твърде хубаво, за да е истина, че има такава маса от най -благородните мозайки, създавани някога, чакащи да бъдат разкрити … И не е нужно да казвам, че в цялата област на изкуството няма нищо, което ми се струва докосващо тази работа, за важност и за неизразимата радост, които тези неща дават, когато бъдат разкрити. " https://www.doaks.org/resources/bliss-tyler-correspondence/letters/11oct1936

За ученическа дейност, моля, проверете … ТУК!

Работници, проследяващи долната част на Архангел Гавриил, южният Ангел, в софата Бема на Света София, 1939 г. От колекцията: Византийският институт, полеви записи и документи на Дъмбъртън Оукс, ок. края на 1920-те и 2000-те години. Колекции от изображения и архиви на теренна работа.

Грант Ууд и революционният дух

Грант Ууд, 1891-1942
Среднощно пътуване на Пол Ревиър, 1931, Масло върху масон, 76,2 × 101,6 см, Музеят на изкуствата „Метрополитън“, Фонд „Артър Хопок Хърн“, Снимка: © 1988 Музеят на изкуствата „Метрополитън“. Art © Estate of Grant Wood / лицензиран от VAGA, Ню Йорк.

Слушайте, деца мои, и ще чуете / За среднощното пътуване на Пол Ревир, / На осемнадесети април през Седемдесет и пет / Едва ли има човек вече жив / Кой си спомня този прочут ден и година ...Написа Хенри Уодсуърт Лонгфелоу през 1860 г. Грант Ууд и революционният дух е моят нов POST на картина от 20-ти век, улавящ най-важния момент от историята на Paul Revere. https://poets.org/poem/paul-reveres-ride

Осем години на Войната за независимост (1775–1783) и Изкуството в Америка спряха. Някои видни колониални художници са били в Англия по това време, са учили и са останали там, други, несъгласни с насилието, са прегърнали неутралитета. И все пак някои, макар и безопасни в Европа, се върнаха да се бият и да участват в изграждането на нова нация. Всички те успяха да дадат поглед към периода с портрети, исторически сцени и др. От архитектурни сгради до мебели, сребърни изделия, стъкло и порцелан, украсени със символи на патриотизъм и национална гордост, хората се гордееха с новата си нация и я показаха.

Грант Ууд е американски художник, който никога не е губил своята „революционна“ визия и дух. Той е роден през 1981 г. във ферма в селския район Анамоса, Айова, но нещастните обстоятелства, неочакваната ранна смърт на баща му, принуждават семейството да се премести в Сийдър Рапидс, където Ууд, ученик от гимназията, е запознат с чл. Като завършил училище, той първо се премества в Минесота и Чикаго по -късно, където посещава класове по изкуство при Ърнест А. Батчълдър и Чарлз Къминг до 1916 г., когато се завръща в Сийдър Рапидс, за да се грижи финансово за майка си и сестра си, като работи като домашен строител и декоратор. Краят на Първата световна война промени кариерата на Ууд, когато той започна да преподава изкуство в средното училище в Маккинли. През 1920 г. „Ууд пътува до Европа, а през 1925 г. той се отказва от преподаването, за да се съсредоточи върху изкуството си на пълен работен ден, насърчаван от приятеля си Дейвид Търнър,„ интелигентния и енергичен погребал ”, и хората от Сидар Рапидс, които„ като откровение ... дрехите им, домовете им, десените на покривките и завесите, инструментите, които използваха “разпалиха творчеството му, тъй като„ изведнъж видя всички тези обикновени неща като материал за изкуство. Прекрасен материал! ”

Ако 1920 -те бяха формиращите години на Ууд, 30 -те години на миналия век видяха артистичната зрялост и признание на Ууд като водеща фигура на американското регионално движение, доста консервативен и традиционалистичен стил, който апелира към популярната американска чувствителност и необходимостта от американска културна идентичност. Известната му картина Американска готика спечелил медал на Годишната изложба на Чикагския институт по изкуствата през 1930 г., Институтът купил картината, а Ууд, на тридесет и девет години, видял репутацията си сред своите колеги. Обратно в Сийдър Рапидс той обединява усилията си с Ед Роуен и създава странната колония на Стоун Сити, където те преподават класове чрез колежа Коу. През 1934 г. животът му се променя драстично, когато той приема позиция като професор по изкуство в Университета на Айова в Айова Сити. Назначението му в университета в Айова беше злополучно, тъй като поредица от неприятни събития професионално го стресираха и лично го тормозеха ... https://www.theartstory.org/artist/wood-grant/life-and-legacy/

През 1931 г. Ууд рисува очарователна, завладяваща и омайваща картина, озаглавена Среднощното пътуване на Пол Ревир. В Представяне на книгата с ресурси за учители в Америка четем "Ууд беше самосъзнателно "примитивен" художник, който подражаваше на непретенциозния, необразован маниер на американските народни художници ... Среднощното пътуване на Пол Ревир отива още една крачка напред, за да улови гледната точка на детето. Перспективата от птичи поглед (като гледката от самолет) ни позволява да изследваме обширна природа и дава на селото в Нова Англия подредената яснота на град, изработен от играчки: селската църква и околните къщи са с прости геометрични форми, като макар и изградени от градивни елементи, дърветата са увенчани с перфектни зелени сфери, като тези, които едно дете би се опитало да нарисува ... Подвижният пейзаж отвъд е оставен да спи в тъмнина, която се разбива само от малки проблясъци от далечни прозорци. За да завърши това извикване на детска мечта, Уд причудливо изобразява верния кон на Пол Ревер - „летящ безстрашен и флот“, по думите на Лонгфелоу - като люлеещ се кон.”Https://picturingamerica.neh.gov/downloads/pdfs/Resource_Guide/English/English_PA_TeachersGuide.pdf

Учениците от началните и средните училища откриват историческото събитие на Пол Ревере езда в нощта на 18 април 1775 г., за да предупреди колониалното опълчение за приближаването на британските сили вълнуващо и завладяващо. Обсъждаме исторически събития, четем стихотворението на Хенри Уодсуърт Лонгфелоу, изследваме и обсъждаме картината на Ууд, използвайки книгата с ресурси „Представяйки Америка учители“. И накрая, за домашна работа обикновено ги възлагам да извършат дейност, до която имате достъп ... ТУК!


Сцени от живота на гръцкия герой Ахил

Придобиването
През 1902 г. собственик на земя, работещ върху имота си, случайно открива подземна гробница, покрита с могила (могила). Неговите разследвания разкриха останки от парадна колесница, както и бронзови, керамични и железни прибори заедно с други гробни предмети. След откритието находките са преминали през ръцете на няколко италиански собственици и дилъри, които са отговорни за появата на колесницата и свързания с нея материал на парижкия пазар на изкуството. Там те са закупени през 1903 г. от генерал Луиджи Палма ди Чеснола, първият директор на Метрополитен музей на изкуствата.
Колесницата Монтелеоне е най -добре запазеният пример от този вид от древна Италия преди римския период. Сравнително доброто състояние на основните му части –панелите на колата, стълба и колелата –и направи възможно предприемането на нова реконструкция въз основа на най -новата стипендия. Освен това някои от оцелелите фрагменти от слонова кост вече могат да бъдат поставени с разумна сигурност.
Другите гробни мебели, придобити с колесницата, са изложени в два случая на южната стена на тази галерия.

Формата и функцията на колесницата
Колесниците възникват в древния Близкия изток през началото на второто хилядолетие пр.н.е. и се разпространи на запад през Египет, Кипър и гръцкия свят. В преобладаващия ранен тип колата се състоеше по същество от платформа с лека бариера отпред.
На италианския полуостров най -голям брой колесници идват от Етрурия и околните райони. Данните са данни между втората половина на осми и пети век пр.н.е. и представляват няколко разновидности. Изглежда, че никой не е бил използван за битка в битка. Повечето излязоха на бял свят в гробници, след като изживяха доживот, те бяха погребани със собствениците си, мъже, а също и жени.
Колесницата Монтелеоне принадлежи към група парадни колесници, наречени така, защото са били използвани от значими личности при специални поводи. Те имат две колела и са изтеглени от два коня, разположени на около 122 сантиметра разстояние на мястото, където игото лежи на врата им. Колата щеше да побере водача и уважавания пътник.
Формата на автомобила, с висок панел отпред и по -нисък от всяка страна, осигуряваше обширни повърхности за декорация, изпълнени в репус. Фризът на оста, закрепването на стълба към колата и краищата на стълба и хомота имат допълнително фигурално украшение.

Материалите на колесницата
Въпреки че никоя от подструктурата на оригиналната колесница не е оцеляла, освен в едно колело, много информация може да бъде събрана от подробности за бронзовите парчета, други запазени колесници и древни изображения на колесници. Обърнете внимание, че колесницата е представена на правилния ляв панел на колата.
Запазените бронзови елементи на колата първоначално са били монтирани върху дървена конструкция. Релсите, поддържащи трите основни фигурални панела, са направени от дърво като тис или дива смокиня. Подът се състоеше от дървени ламели. Дървените колела бяха облицовани с бронз, изключителна практика, вероятно запазена само за най -сложните колесници. Част от запазената сърцевина е идентифицирана като дъб. Гумите са от желязо. Секциите на стълба бяха монтирани на прави клони.
Основен компонент на оригиналното превозно средство е кожа, нанесена върху дървената конструкция. Връзката на стълба с колата щеше да бъде подсилена от ремъци от сурова кожа, събрани под главата на глигана, а игото щеше да бъде приковано към стълба. Горният край на стълба показва следи от кожените ленти. Освен това всички конски впряги бяха#8217 от кожа. Освен това пръстените от свинска кожа с прикрепената мазнина спомогнаха за намаляване на триенето между движещите се части на колелата.
Колесницата Монтелеоне се отличава не само с изключителното изпълнение на бронзовите панели, но и с включването на инкрустации от слонова кост. Слоновите кости, както от слон, така и от хипопотам, са толкова фрагментарни, че само бивните на глигана и финалите в задната част на колата са поставени в първоначалните си позиции. Останалите парчета са изложени в калъф на южната стена. Поредица от дълги тесни ленти служиха като кант, може би около панелите на колата или от долната страна на стълба. Възможно е други фрагменти да запълнят пространствата между фигурите в централния панел на колата. Основен въпрос относно тези добавки е методът на тяхното закрепване, изискващ използването на лепило. Друг е въпросът дали слоновите кости са боядисани.

Фигурите на колесницата
Иконографията представлява внимателно обмислена програма. Трите основни панела на колата изобразяват епизоди от живота на Ахил, гръцкия герой от Троянската война. Във великолепната централна сцена Ахил вдясно получава от майка си Тетида отляво щит и шлем, за да замени бронята, която Ахил е дал на приятеля си Патроклос за битка срещу троянския хектор. Патроклос беше убит, което позволи на Хектор да вземе бронята на Ахил и#8217. Темата е широко известна благодарение на разказа в „Илиада“ на Омир и много изображения в гръцкото изкуство. Панелът вляво показва битка между двама воини, обикновено идентифицирани като гръцкия Ахил и троянският Мемнон. В панела вдясно апотеозът на Ахил го показва как се изкачва в колесница, теглена от крилати коне.
Допълнителните релефи, частично покрити от колелата, се тълкуват като показващи Ахил като младеж в грижите за кентавъра Хирон и Ахил като лъв, който отсича враговете си, в случая елен и бик.
Централната ос на колесницата е подсилена от главата и предните крака на глигана при присъединяването на полюса към колата. Еленът под Ахилесовия щит#8217 се появява преметнат над глигана и#8217 назад. Главата на орела в предната част на стълба повтаря двата атакуващи орла в горната част на централния панел, а главите на лъвовете върху игото се отнасят до многобройните диви котки по колата.
Докато смисълът на човешките и животински фигури позволява различни интерпретации, има тематично единство и хомеровско качество, подчертаващо славата на героя.

Художественият произход на колесницата
Трите панела на колата представляват основното художествено постижение. Ученото мнение е съгласно, че стилът на декорацията е силно повлиян от гръцкото изкуство, особено това на Йония и съседните острови като Родос. Освен това изборът на теми отразява близкото познаване на епосите, разказващи за Троянската война. В степента на гръцко влияние колесницата прилича на произведения на почти всички медии от архаичната Етрурия. Съвременните резбовани кехлибари отразяват подобна ситуация.
Типично етруските характеристики на обекта започват с неговата функция, тъй като колесниците не са били значими в гръцкия живот през шести век пр.н.е. освен в атлетически състезания. Освен това иконографските мотиви като крилатите коне в Ахилесовата апотеоза и множеството хищни птици отразяват етруските пристрастия. Панелите за репусиране може да са произведени в един от важните металообработващи центрове като Vulci от местен майстор, добре запознат с гръцкото изкуство, или евентуално от имигрантски бронзов работник. Колесницата можеше да бъде направена за важен човек, живеещ в южна Етрурия или Лациум. Погребението му в Монтелеоне може да е свързано с факта, че този град контролира главен маршрут през Апенските планини. Превозното средство би могло да бъде подарък, за да спечели благоволение на могъща местна власт или да възнагради услугите му.
Отвъд дискусията е превъзходното умение на художника. Неговият контрол върху височината на релефа, от много висока до фино плитка, е необикновен. Също толкова забележителни са богатството и разнообразието на декорацията, украсена с всички фигури, особено тези на централния панел. В първоначалното си състояние, с блестящата бронзова и боядисана слонова кост, както и всички аксесоари за аксесоари, колесницата трябва да е била ослепителна.

Реконструкцията
След като частите на колесницата пристигнаха в музея през 1903 г., те бяха събрани в презентация, която остана на разположение почти век. По време на новата реконструкция, която отне три години и#8217 работа, колесницата беше напълно демонтирана. Беше направена нова опора съгласно същите структурни принципи като древната. Преразглеждането на много парчета им позволи да бъдат поставени в правилните им позиции. Нещо повече, бронзовата обвивка на стълба, която се смяташе за запазена само частично, беше призната за съществено завършена.
Основният елемент, който не е реконструиран, е хомотът. Въпреки че дължината е правилна, дървената пръчка просто свързва двете бронзови парчета.


Гледай видеото: Greece Ancient Delphy Drone Aerial Video Delphi The most famous ancient seat of the oracle (Може 2022).


Коментари:

  1. Kigagore

    Между другото тази великолепна мисъл

  2. Cliff

    Да! развеселен

  3. Fergus

    A good answer, congratulations



Напишете съобщение